跟隨朱珠，在奧森的林間綠地“發現意外之喜”

2026年5月23日，由北京市文化和旅游局、朝陽區人民政府、北京電子控股有限責任公司指導，北京七九八文化科技有限公司主辦的國際化城市級藝術盛事“2026北京藝術季”迎來全新板塊的正式亮相。作為本屆藝術季最矚目的公共藝術地標項目，“漫游·雕塑公園”公共藝術展于北京奧林匹克森林公園（奧森公園）及亮馬河沿岸路段隆重開幕。本次展覽打破傳統美術館的物理圍墻，將來自15位藝術家——高偉剛、韓冬、何岸、UNMASK/劉展、佘海晴、亞當·帕克·史密斯（Adam Parker Smith）、蘇新平、王禮軍、吳牧寒、向惠迪、向京、楊光南、楊健、楊牧石、展望——的跨媒介、跨材質的雕塑與裝置置入城市核心的自然物候與公眾日常生活中，將整座城市轉化為一座可漫步、可閱讀、無邊界的“總體藝術”開放展廳。

朱珠、孫文杰導覽現場。

讓雕塑真正生長于白盒子空間之外

在開幕儀式上，北京七九八文化科技有限公司副總經理劉琛表示：藝術不必沉重。當光影落在雕塑上，當孩子在作品旁嬉戲，藝術便悄然融入我們的生活。城市，原本就應該是一座無邊界的美術館，這也是我們作為藝術工作者，為這座城市所作出的承諾與貢獻。演員、北京藝術季大使、雕塑公園策展人朱珠則分享道：藝術是每個人都可以擁有的體驗，是人人皆可觸及、欣賞、并與之產生靈魂共鳴的。它是路人在散步或通勤途中不期而遇的一抹溫柔，這份不期而至的驚喜，恰恰是藝術最珍貴的意義所在。

演員、北京藝術季大使、雕塑公園策展人朱珠在“漫游·雕塑公園”現場導覽。

在當代城市更新與文商旅融合的宏大敘事中，“漫游·雕塑公園”的啟幕不僅是一次國際藝術語言的集中展示，更是一次關于“場所能動性”與“生態互惠性”的深刻當代學術實踐。本次公共藝術項目將綠地視作藝術社區的延伸，徹底移除了白盒子美術館框架下的“審視距離”與體驗門檻。當雕塑真正生長于白盒子空間之外，它們便進入了一片與地貌、天氣、季節、光線及生態共呼吸的場域。這種互動的本質，是讓藝術的“象牙塔盛世”走向全民共享的“城市文化節日”。公共藝術在此處化身為閱讀城市文化生活、承載市民記憶的透明文本。

策展人孫文杰（左）與演員、北京藝術季大使、雕塑公園策展人朱珠（右）。

“漫游·雕塑公園”由主辦方七九八文化科技邀請，北京藝術季大使朱珠發起，朱珠與策展人孫文杰共同聯袂策劃，她們將公共空間中的藝術偶遇形容為“意外發現之喜”（serendipity）——公眾在林間綠地、河畔步道與作品的不期而遇，如同用腳步書寫的匿名日常實踐。當市民在日常生活的穿梭與繞行中與這些為明亮自然光線而生的作品交匯，他們尋獲的不僅是關于日常之美的豐饒敘事，更是在一種去中心化、非功利導向的生態中覺察到了自身的存在。這種公共性，正是用藝術賦能城市公共空間、重塑首都城市標桿文化名片、彰顯北京在全球藝術版圖中的核心價值與獨特文化自信的戰略性表達。

“燦爛是無哀愁的果實”：從日常隱喻到精神豐碑

兩位策展人從巴西傳奇作家克拉麗絲·李斯佩克朵（Clarice Lispector）的非敘事散文詩《活水》中汲取靈感，以“燦爛是無哀愁的果實”作為核心意象，在盛夏初至的歲時節律中，開啟了一場對抗日常技術異化的藝術守望。

韓冬作品《獻給太陽的頌歌21號（親密關系）》。

步入這片沒有圍墻的開放場域，周遭變幻的光影與蔥郁的綠地交織，韓冬的作品《獻給太陽的頌歌21號（親密關系）》（2022），它以一種沉靜的姿態隱入自然之景。韓冬選擇了抗蝕極強的硅青銅作為媒介，堅硬、冰冷的工業材質在經過藝術家的打磨后，在自然光下形成了溫潤、內斂、內生柔和的致密光膜。藝術家以青銅為媒、原始美學為魂、東方哲思為骨，通過獨特的藝術著色技法，試圖在鋼筋水泥的城市空間中喚醒接近人類共同精神本源的靈性之光。

楊牧石作品《組裝—柱》。

與之形成硬朗對比的是藝術家楊牧石的《組裝—柱》（2024），在這件由不銹鋼回收件精工焊接而成的幾何結構中，碎屑化的金屬構件被有序排布、熔鑄成一根線條利落且富有冰冷力量感的雕塑立柱。在奧森極具呼吸感的環境秩序中，這根極簡的“組裝柱”在嚴謹架構中釋放出獨特的反抗張力，隱喻著個體雖受高度規則化的社會條件規訓，依然能夠通過自我組裝，保持獨立思考與堅韌自持的生存狀態。

蘇新平作品《三匹白馬一號》。

《三匹白馬一號》（2024）是一件蘇新平極具代表性的大型雕塑。受草原文化的深遠影響，馬的身影貫穿了藝術家的職業生涯，頻繁出現在其不同媒介的創作之中。三匹疊加的白馬矗立于幽靜的林中岔路，那仿佛正欲遠去的姿態，不僅喚起了觀者對理想主義的追憶，更凝練為一種超越現實的精神性象征。

王禮軍座屏《邃》和《愴》。

在王禮軍的《邃》（2025）和《愴》（2025）中，雙人物形象以一種抽象的姿態于空間中交錯。藝術家巧妙地將海綿被撕扯的瞬間形態凝固為堅硬的鋁，表面的每一道痕跡，既是材料的天然肌理，也是指尖撕拽留下的溫度殘跡。當這組靜默的雕塑與奧森公園3公里步道上川流不息的人群相遇，一種關于個體與周遭關系的思考悄然蘇醒——人與物，正是在這廣闊的空間交互中，互為存證。

吳牧寒作品《一個音和七個》。

吳牧寒的作品《一個音和七個》（2026），在為觀眾呈現其優雅形象的同時，也邀請著人們與之互動。這件作品由多種規格的鋁管、水泥底座、碳纖維及音錘構成，其形態宛如一座物質生產的當代紀念碑。然而，它打破了傳統雕塑的永恒性，既不提供既定樂譜，也不設定規則。它鼓勵公眾在室外自由的空氣與地面之上，通過身體動作（敲擊、摩擦）與作品建立直接的能量交換，將每一次敲擊轉化為可感知的物理事實，以自然天籟消解世俗定義，完成了一次公共療愈實驗。

亞當·帕克·史密斯作品《薩賓池浮》。

亞當·帕克·史密斯（Adam Parker Smith）的大型作品《薩賓池浮》（Sabine Pool Float, 2020）以流光溢彩的身姿為公共綠地注入了超現實的活力。這件高近三米的雕塑營造出極強的視覺錯覺：看似由易碎且滑稽的充氣浮具堆疊而成，充滿消費主義的戲謔；實則由鋼材、樹脂和玻璃纖維精工打造，堅固而恒久。這種“偽裝的永恒”在綠地中綻放出明快靈動的生命力，以一種波普式的幽默與戲劇感，吸引著觀者。

何岸《鼻子上有顆痣，胸口還有一顆》。

何岸的作品《鼻子上有顆痣，胸口還有一顆》（2020）在林中綠地上勾勒出城市風光的簡影，城市的肌理、質感、材料和不斷轉變的適應性空間被嵌入何岸的作品當中，他的作品閱讀著城市的欲望，把周遭的流動，凝固成一份透明的文本。而在作品面前駐足的你我，則是被這個快速發展的都市照見的又一張面孔。

向惠迪作品《最后，它找到了它的朋友》。

向惠迪的大型作品《最后，它找到了它的朋友》（2024）在開闊的仰山中鋪陳開來，構筑起一處戲劇性的視覺焦點。作品靈感巧妙地轉譯自經典童話《丑小鴨》，個體在面對孤立與生存困境時不斷嘗試向外連接的堅韌過程，被具象化為一首獻給現代孤獨個體的空間童話詩；它以一種極具幽默感與思辨性的空間體量，隱喻了現代人在當代公共生活中尋找精神歸屬、確認自我價值以及重建社群共鳴的迫切圖景。

佘海晴作品《露珠》。

佘海晴的作品《露珠》（2023）同樣在仰山之上悄然綻放。藝術家以水鉆比作晶瑩的露珠，將其散落在塑料荷葉之上，這些閃爍著人造光芒的“植物”漂浮于真實的綠茵之中，借由觀眾的觀感與互動共同完成了這場裝置性的藝術探討。鉆石本源于自然，將其歸還于自然是這組作品的初衷；讓自然中的“荷葉”佩戴閃耀的“珠寶”，不僅是對大自然的歌頌，更是一次關于虛實邊界的提問。

楊健作品《物聯網》。

楊健的《物聯網》（2018）則上演了一場極具張力的材料碰撞，作品由若干組冬瓜與Wi-Fi天線巧妙構成。取自土地的果實作為天然有機材料，與現代科技產物并置，直指人類文明生活中某種荒誕的本質。藝術家一次次用全新的視角與幽默的視覺語言，精準捕獲那些難以命名的瞬間，不斷刷新著大眾對日常物件的定義。從這件作品中亦可管中窺豹，雕塑這門古老的藝術語言正在不斷地打破自身的既定形象，在材料與觀念的重組中，無數次重塑著其藝術的邊界。

展望作品《想有個洞》。

坐落在銀杏林中，展望的新作《想有個洞》（2025）達成了傳統美學與當代工業的互文。藝術家延續了其享譽國際的“假山石”系列不銹鋼雕塑語言，并在此基礎上引入了激進的幾何構造觀念。他以天然太湖石為原型進行不銹鋼拓印，并設想了一個幾何學中的圓柱體或立方體穿越太湖石內部。不銹鋼表面的折射光芒隱喻著中國古人對不朽與理想境界的追尋，傳統園林美學在當代都市的開放語境中再次煥發出生命力。

高偉剛作品《寬容戰勝恐懼》。

高偉剛的《寬容戰勝恐懼》（2012-2020）由一組四件不同顏色的鋼鐵階梯組成，它們蜿蜒而上，以纖細優雅的姿態通過尋常之物講述著樸實之理。藝術家對于樓梯這一主題有著向下植根的執著，因為樓梯作為連接兩端的過渡媒介，在看似開放的同時，其終點卻是被規定的。高偉剛正是通過作品與觀者之間微妙而平衡的距離感，以及在不同視角下脫離于經驗的對比參照，不斷挑戰觀眾的視覺及思維習慣，促使觀者去重新反思這個我們自以為熟知的世界。

向京作品《原創少女心》。

在林間光影的環抱下，向京的重要鑄銅/玻璃鋼作品《原創少女心》（2015）則將公眾引向了對人性的微觀凝望。向京一向擅長在其獨樹一幟的“具象現實主義”寫實雕塑語言中，在現代性的語境下深度挖掘人性的迷霧。這件雙兔首雕塑以極簡又充滿心理張力的造型捕捉微觀情緒，在奧森的開放景觀中，這種純粹與脆弱向公眾敞開，引發了每一位在林間穿行的觀眾對自我生存真相的不斷確認與溫柔觀望。

楊光南作品《路202102》。

楊光南為一條小路鑄造了一尊獨特的雕像。在《路202102》（2021）中，路被轉化為一位可親、可感的對象，它扭轉著身姿，以多邊形的形態現身于一片沒有路徑的幽幽綠草之中。雕塑表面的大小方形凸起，直接翻模自真實的人行道路面。經藝術家之手，作為空間本身的“路”被賦予了連續且無終點的特質。作品在固定與重復的形式中，輕靈地實現了場景與意象的轉換，迫切地呼喚著個體源自內心的方向與路徑。

UNMASK/劉展作品《閃憶系列之六》。

與奧森公園的開闊景致形成多維互文的是，“漫游·雕塑公園”還在展現都市流變與國際化生機的亮馬河畔，開辟了極具地緣特性的文本圖景，由此引出UNMASK/劉展的重要作品《閃憶系列之六》（2010）。在日常物的重組中，藝術家凝視并解構宏大歷史在微觀個體身上留下的感官刻痕。亮馬河作為古時商賈往來“晾馬歸市”的歷史水系，其地緣線索在當代語境下被藝術家轉化為一種極具速度感與生命力的圖騰。在這件運用不銹鋼與工業原件構筑的作品中，他以冷峻的材料秩序和極富張力的流線型走勢，精巧地回應了具有時代跨度的“馬”之意象——它摒棄了符號化的傳統復古敘事，轉而將馬所蘊含的奔騰、開拓與激進的能量，重組為一種代表當代都市速度的硬核空間實體。當雕塑置身于亮馬河畔這一交織著現代都市喧囂與濱水律動的雙重場域中，不銹鋼材質所折射的變幻水光與兩岸鱗次襯比的摩登輪廓，共同織就了一場關于歷史縱深與現代性的空間對話。它不僅在波光粼動的景致中塑造出富有當代工業美學的視覺地標，更以一種充滿前瞻性、超越時間的靜態姿態，挑動著穿行于都市濱水空間中的每一位觀者，在現代生活的巨浪中回溯并共同觸碰那些在時間加速中不斷閃爍的集體記憶。

據悉，本屆北京藝術季“漫游·雕塑公園”的成功落地，不僅得益于北京市各級文化和旅游部門的戰略指導，也是主辦方北京七九八文化科技有限公司積極踐行文商旅深度融合、賦能城市公共空間更新的標桿成果。更具里程碑意義的是，這場盛事凝聚了海內外頂級藝術生態的強大合力，展現了當代中國藝術界在前沿學術、公共美育與社會資本協同共建上的大國文化氣象。

Q&A

朱珠：讓大家在匆忙趕路時，被一件作品短暫治愈

Q:你提到將公共空間中的藝術偶遇形容為“意外發現之喜”（serendipity）。從演員到策展人，這種身份轉換如何影響你觀察城市與藝術的關系？在奧森公園和亮馬河畔現場漫步時，是否有哪件作品或哪個瞬間讓你自己首先感受到了這種“意外之喜”？

朱珠：從演員轉型參與策展，最大的改變，是看待城市的視角從被動感受，變成主動體察。做演員時，我習慣沉浸角色，體會空間帶給人的情緒；做策展之后，會刻意留意城市縫隙里人的狀態。公共藝術不是被特意奔赴的展品，是路人散步、通勤途中撞見的溫柔，serendipity這份驚喜，恰恰是城市藝術最珍貴的意義。

在亮馬河沿岸漫步踏勘時，傍晚晚風剛好，河邊散步的行人、遛狗的路人、慢跑的年輕人，不經意間和雕塑作品同框。奧森開闊的自然環境里，藝術沒有被玻璃罩隔絕，和草木、光影、來往人群共生，藝術就在身邊，仿佛大自然中生長的果實，燦爛唾手可得。

演員、北京藝術季大使、雕塑公園策展人朱珠在“漫游·雕塑公園”現場。

Q: 本次展覽以巴西作家李斯佩克朵的“燦爛是無哀愁的果實”為核心意象，強調對抗日常技術異化。你希望通過這15位藝術家（包括向京、何岸、展望等）的作品，向在城市快節奏中穿行的人們傳遞一種怎樣的“無哀愁的燦爛”？你的視角在本次策展中發揮了怎樣獨特的作用？

朱珠：李斯佩克朵這句話，精準戳中當下都市人的處境。我們被碎片化信息、高頻電子產品裹挾，整日被焦慮裹挾，忙碌卻時常空洞。我們挑選十五位不同風格藝術家作品，就是想讓奔波的城市人短暫抽離緊繃節奏。同時讓藝術不局限于學術象牙塔，或只屬于某一種特定人群的假象，讓每一個人都能夠享受到藝術帶來的那一刻靈魂的慰藉。

向京、何岸、展望老師的創作，扎根現實又保有詩意。我想傳遞的無哀愁的燦爛，不是刻意逃避煩惱，是在瑣碎日常里保留感知美好的能力。演員的經歷讓我更懂普通人的情緒褶皺，懂得當代人緊繃的內心。這次策展里，我更偏向以人的感受為先，讓藝術貼近情緒，讓大家在匆忙趕路時，被一件作品短暫治愈，看見平凡生活里自帶的光亮，這也許是我區別于專業策展人一個的視角。

Q: 本次藝術季漫游雕塑公園強調打破美術館圍墻、實現“全民共享的城市文化節日”。你如何平衡作品的學術深度與親近性？

朱珠：打破美術館圍墻，核心就是讓藝術走出小眾圈層。平衡學術深度和大眾親近度，我始終堅持一個原則：藝術內核保持專業嚴謹，呈現方式貼合城市生活。

選品上，保留藝術家完整創作表達，守住學術根基；落地場景上，貼合公園、河道的公共環境，弱化晦澀的表達。不用強迫觀眾讀懂所有藝術概念，能駐足、心生觸動，就是成功。

我長期身處大眾視野，更清楚普通觀眾對藝術的距離感。所以在整體排布、動線規劃上，更多站在普通人視角考量。讓資深藝術愛好者可以讀懂表達，普通市民閑逛也能收獲審美愉悅，真正做成人人都能參與、享受的城市藝術節日。

采寫：南都N視頻記者 黃茜