短視頻越來越“真” 電影越來越“假“？｜電影十問

在第十六屆北京國際電影節步入尾聲，一場備受矚目的“電影十問”圓桌交流如期舉行。4月23日，北京電影節創作論壇在郎園Station舉行。在圓桌論壇環節，導演賈樟柯、陳英雄、理查德·柯蒂斯、於水與觀眾代表，圍繞電影觀影習慣、創作范式、影像真實、IP改編及流量明星等十個問題展開深入探討。

本次論壇打破傳統模式，首次邀請4位電影界創作者與4位不同身份的觀眾代表同臺對話，以“Yes/No”舉牌表態+深度闡釋的形式，圍繞電影創作、觀影習慣、行業趨勢等核心議題展開探討，其中不乏觀點的碰撞與矛盾，更顯對話的真實性與深度。

論壇由知名編劇張冀主持，邀請到陳英雄、理查德·柯蒂斯、賈樟柯、於水四位資深創作者，以及北京大學學生陳雙本、個體經營者古來讓、金融從業者郭琦、高校教師劉明謙四位觀眾代表，共同呈現了一場兼具專業性與大眾視角的光影對話。

關于電影的十問——

本次論壇共設置10個核心問題，均來自網友在線征集的469個問題精選，聚焦行業痛點與大眾困惑。每位嘉賓與觀眾代表結合自身經歷，給出了真誠且深刻的回答，期間多次出現觀點分歧與矛盾碰撞，既展現了行業多元視角，也還原了電影行業的真實困境。

問題一：大家現在看電影更多是去電影院看，還是在家看？若去電影院，一年大概自費觀影幾次？

• 觀眾代表陳雙本（北大新生）：影院與家庭觀影次數相近，但更偏愛影院，去年高考結束至今已在影院觀影30余次，包括學校講堂放映場次，代表了年輕群體中“影院偏好派”的視角。

• 觀眾代表郭琦（金融從業者）：在家觀影更多，一年約100部，商業院線5-6部，加上北影節、電影資料館放映，全年影院觀影30余次，主要通過資源觀看經典老片，與陳雙本“偏愛影院”形成對比，體現了“家庭觀影為主、影院補充”的大眾習慣。

• 觀眾代表劉明謙（高校教師）：有收集票根習慣，2025年全年影院觀影票根158張，平均每周3部，涵蓋北影節、平遙、西寧等影展，是“影院深度愛好者”。

• 賈樟柯（導演）：多數時間在影院觀影，作為影展組織者，選片需在大銀幕觀看；參與國際電影節時，每次集中觀影10-15部，且部分影片會看兩遍，強調影院是還原導演影像與聲音意圖的標準場域，立場鮮明地站在“影院觀影”一側。

• 理查德·柯蒂斯（編劇/導演）：常與孩子在家看老電影，也會在新片上映時去影院，享受共同共鳴的喜悅，偏好影片剛上映時觀影，感受多人共賞的美妙體驗。

• 於水（導演）：一年院線觀影8-10部，多于家庭觀影，認為影院能讓人更集中精力，觀影體驗比電腦、電視好20%，支持影院觀影，但觀影頻次較低。

• 陳英雄（導演）：一年影院觀影不到10次，同時會花時間去博物館、畫廊等，仍認可影院作為傳統觀影場所的價值。

• 賈樟柯（導演）：否定該觀點，認為“電影節獲獎范式”本身并不存在，電影節作品百花齊放，涵蓋商業與藝術多種類型，藝術電影也無固定形式（如長鏡頭并非藝術電影的唯一標志），創作參考所謂“范式”的前提不成立，甚至質疑“參考獲獎范式”這一行為本身的合理性。

• 陳英雄（導演）：雖與賈樟柯一樣不認可“獲獎范式”，但思考角度不同——賈樟柯否定“范式”的存在，陳英雄則強調形式與內容需有機結合，創作應聚焦自我表達，而非刻意追求“獲獎范式”；若作品脫離自身表達，既無法傳遞情感與意義，也無法讓觀眾了解創作者，更談不上與觀眾拉開距離。

• 理查德·柯蒂斯（編劇/導演）：自嘲喜劇不受電影節青睞，但也認為不存在“獲獎范式”與觀眾的對立，最偉大的電影可涵蓋多種類型，“類型無高低”。

• 張冀（主持人）：補充指出，現實中存在部分青年創作者刻意模仿“電影節形式”（如濫用長鏡頭、固定機位），忽視內容表達，這種行為確實會與觀眾拉開距離，這一補充與賈樟柯“不存在獲獎范式”形成輕微矛盾，既認可賈樟柯的核心觀點，又點出行業中存在的真實問題。

• 觀眾代表劉明謙（高校教師）：不同意該說法，電影的“假”源于部分創作者不夠接地氣、缺乏生活觀察；舉例《宇宙探索編輯部》等，雖題材特殊或為小眾語言，但因貼合真實情感與生活，能引發廣泛共鳴，證明電影可傳遞真實力量。

• 陳英雄（導演）：需區分生活與藝術，生活是經歷，藝術是表達；電影制作過程雖有“虛構”（如演員未真死），但通過場景組合與情感傳遞，能賦予故事深層意義，與短視頻的真實片段不可同日而語，其核心是“電影的真實是藝術真實，而非生活真實”，與觀眾“短視頻的真實更直接”的認知形成矛盾。

• 賈樟柯（導演）：提出“虛構是抵達真實的唯一路徑”，認為短視頻呈現了多元社會面貌，彌補了電影創作觸角的局限，電影工作者的觸角無法觸及生活的每個角落，而海量短視頻由億萬人記錄，從數學和社會學角度看，確實呈現了更多被銀幕世界忽視的現實。但他強調，電影的使命從來不是單純記錄真實，而是導演對世界的美學反應與情感觸動。

• 理查德·柯蒂斯補充：建議加強電影教育，讓觀眾從小學習電影語言，提升鑒賞力，才能更好地理解電影的真實表達，而非簡單將電影與短視頻的“真實”對比。

• 賈樟柯（導演）：認為該問題設問存在偏差，IP電影與原創、有創意的電影并行存在，觀眾看不到新意作品，并非因為IP電影的存在，而是自身選擇的問題，不應將兩者對立，態度堅決地否定“IP與新意對立”。

• 理查德·柯蒂斯（編劇/導演）：認可仍有優秀原創電影誕生，但擔憂投資方過度重視IP，會干預創作過程；同時指出，IP系列作品往往越往后質量下滑，第一部通常優于后續作品。

• 於水（導演）：以《浪浪山小妖怪》為例，認為IP創作的關鍵是避免路徑依賴，即使依托《西游記》這一經典IP，也可通過挖掘新視角實現創新；IP續作的難點是在原有基礎上找到新的人物成長與表達角度，電影史上已有成功案例，其觀點支撐了賈樟柯“IP與新意可共存”的說法，與理查德的“擔憂”形成對比，展現了IP創作的兩種可能性。

• 陳英雄（導演）：以自身改編《挪威的森林》為例，提出改編的核心是傳遞原著帶來的情感與啟發，而非照搬故事，尊重原著的精神內核，而非內容本身，這也是IP改編中保持創造性的關鍵。

• 張冀（主持人）：補充指出，當前市場上存在“狹義IP”（如商業性強的網絡文學IP）過度復制、缺乏創新的問題。

• 賈樟柯（導演）：認為無法簡單用“Yes/No”回答，關鍵在于導演的創作心態；若導演功利地追求流量帶來的市場效應，不顧演員是否適合角色，就會被流量改變；若流量明星適合角色，選用其并非不可，導演的本分是評估演員的勝任力，而非糾結于“流量”標簽，態度中立，強調“導演心態”的核心作用。

• 理查德·柯蒂斯（編劇/導演）：強調選角是電影成功的關鍵（選角成功則電影60%成功），選角應基于演員的適配性，而非流量；部分有流量的演員經過試鏡，也能呈現出色表演，核心是準確判斷演員是否適合角色，其觀點與賈樟柯一致，但更側重“選角的專業性”。

• 張冀（主持人）：補充提問，指出當前“流量明星”與傳統明星的區別——傳統明星從片場成長，流量明星則從其他領域積累粉絲，電影依賴其粉絲效應擴大影響力，這種模式是否會沖擊創作，賈樟柯未直接回應，但強調“導演不應站在制片角度考慮演員”，與部分制片方“流量換票房”的商業邏輯形成矛盾，凸顯創作與商業的潛在沖突。

• 賈樟柯補充：觀眾將演員分為“流量”“實力派”是一種有趣的歸類，但導演應將合作對象視為“演員”而非“流量”，這一觀點與部分觀眾“流量明星演技差”的固有認知形成矛盾。強調“流量”標簽不應成為判斷演員的唯一標準。

• 觀眾代表古來讓（個體經營者/音樂人）：不認同“迎合”，認為“迎合”的姿態不平等、不真誠；創作的重點不應是糾結于節奏、受眾類型，而應真誠表達自我，創作者與觀眾應是平行共振的關系，真誠的作品自然會獲得票房或獎項的認可，不迎合不代表不考慮市場，明確反對“迎合”，強調創作初心。

• 陳英雄（導演）：創作時不會考慮觀眾偏好，而是希望給觀眾呈現“驚喜”，將自己的靈感與情感轉化為作品，視為送給觀眾的禮物；過度考慮觀眾喜好會影響創作，創作者應專注于自身表達。

• 理查德·柯蒂斯（編劇/導演）：快節奏、碎片化的表達是年輕創作者的自然表達，并非刻意迎合；電影的快與慢是相對的，慢節奏電影中也可包含快速的思緒流動，關鍵在于作品能否傳遞情感與思考，而非節奏本身。

• 張冀（主持人）：作為從業者，坦言高投資電影面臨回收成本的壓力，不得不考慮“新大眾口味”，這種“現實壓力”其實是電影行業“創作初心與商業壓力”的真實困境。

• 古來讓補充：不迎合不是不考慮別人，是姿態不同，與張冀“商業壓力”的觀點形成呼應，化解了部分矛盾，說明“拒絕迎合”與“考慮市場”并非對立關系。

• 陳英雄（導演）：明確傾向于關注有血有肉的人，認為人與人之間的交流是電影的核心，演員與觀眾都是真實的個體，算法勾勒的用戶群像并非真實存在，關注真實個體才能傳遞真摯的情感，態度堅決地否定“算法用戶群像”的價值。

• 於水（導演）：以《浪浪山小妖怪》為例，提出動畫形式雖與真實生活有距離，卻能通過“神話現實主義”的方式呈現現實，動畫角色可成為觀眾的情感投射載體（如小豬妖成為打工人的縮影），反而能實現更廣泛的情感共鳴，證明關注真實個體的重要性。

• 陳英雄補充：不否認算法在特殊場景中的作用，但強調電影的核心是“人與人的交流”，與當前部分影視公司“依賴算法定制內容”的做法形成矛盾，凸顯“創作以人為本”與“算法主導創作”的對立。

• 理查德·柯蒂斯（編劇/導演）：介意觀眾“看不懂”，會通過提前試映測試電影效果，根據觀眾反饋調整內容（如剪掉觀眾不覺得好笑的片段）；但也會忽略一些不合理的評論，重點關注觀眾觀影時的真實感受，而非事后的片面評價，態度矛盾——既在意觀眾理解，又不盲從所有評論。

• 於水（導演）：同樣介意，其團隊會在上海、威海等地進行詳細的觀眾問卷測試，根據反饋優化作品，重視觀眾的真實體驗與理解程度，與理查德“介意且調整”的態度一致，但更側重“系統測試與優化”。

• 張冀（主持人）：補充指出，中國市場上商業電影普遍采用“試映+問卷”機制，與理查德、於水的做法一致，但也有部分藝術電影創作者拒絕“為觀眾調整”，堅持自我表達，進一步凸顯了“商業電影”與“藝術電影”在對待觀眾批評上的態度矛盾。

• 賈樟柯：強調 作者身份不可替代、至關重要 。電影是創作者生命體驗、情感閱歷、人文思考的集合，導演、編劇、主創的個人風格與精神內核，是作品的核心靈魂。AI 只是冰冷的工具，依托數據庫拼接內容，沒有真實生活、沒有情感共情、沒有價值立場。即便 AI 輔助創作，最終的審美選擇、故事內核、情感表達，必須由人類作者把控。在他看來，觀眾看似關注劇情，實則長期依賴作者標識建立審美信任， 作者性，是電影區別于工業品的核心底線 。

• 陳英雄：他承認 AI 是不可逆轉的行業趨勢，能夠提升制作效率、降低創作門檻，但堅決認為藝術創作必須保留人的最終決策權。AI 可以輔助勞作，但不能成為創作主體；作品的情緒表達、美學風格、人文立意，必須由人類創作者定義，人機可以協作，但作者的核心地位不能消失。

• 於水：從動畫行業現狀出發，短視頻、動畫、輕量化影像創作中，AI 應用普及，年輕受眾早已習慣人機協同內容，在快消式視聽消費中，作者標簽逐漸失效；但院線長片、藝術電影、深度劇情片，觀眾依舊看重作者風格與個人表達。這就形成明顯割裂： 不同賽道，對 “作者” 的需求完全不同 。

• 理查德?柯蒂斯：以喜劇創作邏輯補充對沖。喜劇的核心是人性觀察、生活趣味與細膩情緒，高度依賴創作者的閱歷、文化底蘊與個人幽默感，AI 無法捕捉微妙的人文細節與本土化情緒，優質的喜劇創作，永遠離不開專屬的人類作者。

• 陳英雄（導演）：肯定會，認為自己必須去電影院才能真正看電影，影院是不可替代的觀影場所，態度堅決，完全認可影院的核心地位。

• 於水（導演）：肯定會，強調影院的稀缺性——在快節奏的生活中，影院能提供專注觀影的“蓬松時刻”，這種專注與放松是家庭觀影無法替代的，未來影院會維持穩定的平衡狀態。

• 理查德·柯蒂斯（編劇/導演）：擔憂未來更多人會選擇在家觀影，認為影院觀影的魅力在于集體共鳴，與家庭觀影、聽唱片與聽現場的區別一致；同時指出，英國影院觀影成本上升（從5英鎊漲到20-80英鎊），可能影響觀眾的選擇，需要大家共同支持影院。他不否定影院的魅力，但對未來影院的核心地位表示擔憂。

• 賈樟柯（導演）：希望影院仍是主要放映場所，認為影院是理解一部電影的標準場域，電影人應主動捍衛電影院，拍出吸引觀眾的作品，傳遞影院觀影的魅力，即使最終取決于觀眾選擇，電影人也應堅守銀幕放映的初心。

張冀在主持結尾表示，人與人的交流永遠無可替代，這場對話讓大家看到了創作者作為“人”的真實情緒與堅守，也讓觀眾感受到了光影的魅力。